我们在一些事情上受到启发后，可以通过写心得体会的方式将其记录下来，它可以帮助我们了解自己的这段时间的学习、工作生活状态。记录心得体会对于我们的成长和发展具有重要的意义。下面我给大家整理了一些心得体会范文，希望能够帮助到大家。
静物创作心得体会篇一
第一段：引言（150字）
静物创作是艺术家对客观世界的再现与表达，通过观察和创造力的发挥，艺术家可以用静物作品传达出自己的思想和情感。在我的创作过程中，我深感静物作品具有无穷的魅力和表现力。通过对光影、颜色、形状等元素的把握，我逐渐意识到了创作静物的特殊之处，同时也体会到了其背后所蕴含的思考和技巧。
第二段：观察与感知（250字）
在创作静物作品之前，观察和感知是非常重要的一步。我会仔细观察所选静物的各个方面，包括形状、纹理、颜色、光影以及与周围环境的交互等。通过这些观察，我能够更好地理解静物的本质和特点，为后续的创作做好准备。同时，我也会用心感受静物所传达出的独特情感和氛围，将自己融入其中，以更真实地表现出我的思想和感受。
第三段：构图与设计（250字）
构图和设计是创作静物作品的重要环节。在选择构图时，我会尽量突出静物的特点和主题，通过布局和角度的调整来凸显其美感和意义。同时，我还会考虑整体的平衡和色调的协调，使作品更具观赏性和和谐感。在设计时，我会运用不同的手法和技巧，如对比性、重复性、空间感等，以增强作品的表现力和艺术性。
第四段：绘画与材料运用（300字）
绘画是静物创作的主要表现形式之一。在绘画过程中，我会选择适合的画材和工具，如铅笔、彩铅、水彩、油画等，并掌握相应的技巧和特点。对于不同的静物作品，我会灵活运用不同的绘画方法和风格，以突出其独特之处。在绘画过程中，我会注意光影的处理和色彩的运用，以增强作品的立体感和层次感。同时，我也会注重细节的描绘，力求使作品更加细腻和丰富。
第五段：反思与成长（250字）
通过不断创作静物作品，我逐渐意识到其中的挑战和收获。创作静物需要细致的观察和感悟，同时也需要艺术家对颜色、形状和光影等元素的把握能力。而这些能力的提升都需要大量的练习和实践。在创作过程中，我也会反思自己的不足之处，不断改进和学习，以提高自己的艺术水平。同时，我也深感创作静物带给我的快乐和满足感，这种创作经历不仅增强了我对艺术的理解和热爱，也丰富了我的生活。
总结（100字）
静物创作是艺术家对客观世界的再现与表达，通过观察和创造力的发挥，艺术家可以用静物作品传达出自己的思想和情感。在创作过程中，观察和感知、构图与设计、绘画与材料运用以及反思与成长是不可或缺的环节。通过不断实践和反思，我们可以提高自己的艺术水平，并享受到创作带来的快乐和满足感。
静物创作心得体会篇二
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在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。我常常是对自己尝试性的作品充满兴趣，却又不时地怀疑和否定。探索，否定，再探索，这样反复地进行着。从生活中搜集创作素材是创作的原则。回忆起过去许多年里，常常是带着一个概念下去，带着一些为概念搜集的素材回来。把自己的感情管制起来，这样就无心去感受生活中的美。带着一把感受以外的尺子，在生活中量来量去，要发现可画的题材实在比沙里淘金还困难。
去年秋天，我横穿了几千里的锡林郭勒大草原，通常认为这地区是内蒙古牧区的典型。这里没有高压线，没有电灯，没有电视机，生活是流动的。然而，正是在这些并不先进的生活中，普遍存在着的形象和它们呈现出的色彩，构成了草原上特有的美。空旷的天然牧场，多变的景象，质朴憨厚的牧民，古老的蒙古包，牲口拉着生活必需品的各种车辆，乘骑的马、挤奶的牛，平凡的劳动场景以及牧民们淳朴而真挚的情感。我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。
生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。喜好和表现方式也因人而异。从离开美术学院走上工作岗位时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。油画引进后，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。其实，我觉得争论的意义远不如实践更实际些。
我曾经想从年画中吸取点东西。建军五十年时那幅《讲形势》就是这种尝试。整个画面减弱了光的影响，色彩更纯一点，运用了许多装饰图案。建国三十年美展的《牧马人》也是一种尝试，主要是运用了一些有变化的线，色彩上用了较淡的、弱的对比，这样好突出线。有挤压出的线，勾出的线，粗笔逆锋推出的线，刮刀抹出的线。后来，试着在风景画中吸收大写意的韵致和对形的认识与处理方法，想画得有点神、意。但中国画中那种意到笔不到的情趣总是出不来，画人就更棘手了，画面上的素描稿，用颜色画起来就填上框子了。回想起过去看过老国画家们的花鸟、山水写意画的作画过程，觉得他们对所描绘对象的形与神是吃透了的，下笔的时候，不是表面上看到的从无到有的过程，而是胸有成竹，然后落笔成形，以形写神。每个局部之间都是有机地联系着的，都服从一个总的神韵和节奏的要求。在这总的要求下，这种笔味墨趣也自然能运用得当了。另一个特点是不离开表现对象而搞笔墨趣味。每放一笔，是笔墨，也是形的一部分。油画如能吸收这种技艺，并结合油画的色彩造型，也许会出现新的面貌。
大量地连续地作画，对我的实践很有好处。不断地画，不断地思考，随时调整自己的画法，随时补充一些新的设想，随时试验。首先，很认真地推敲素描的小草图，把画面的构图安排，人物的形象特征、神情、动态都考虑成熟，再设计色彩关系等，当一切都做到心中有数后，动油画刷子就大胆了，也主动了。这次的人物画《春》、《隔代人》、《奶桶与姑娘》，就是这种尝试性的作品。
为了使画的对象更朴实、更粗犷一些，我从民间木版水印画(灶王爷、门神等)和泥娃娃之类民间工艺品中借鉴涂色办法，许多人物画上都有这种痕迹。《姐妹》一画的用色追求感觉上的饱满，巧合了民间“黄、红、绿、桂(品紫)”的色彩组合习惯。两个小姑娘的腰带、头巾正好是这四种颜色，其它都是纯白与灰。当然那四种有纯色感觉的颜色是经过调配的，这样就有点乡土气了。
这些尝试是二十年前学习的继续，六十年代初的油画研究班的教学，培养了学员们探索的风气。我愿意继续从生活中汲取灵感和不断地进行探索。
人们熟知苏东坡的一句诗，“论画以形似，见与儿童邻。”其实，东坡还说过：“有道而无艺，则物虽形于心，不形于手。”胸中之竹，毕竟不等于手中之竹。王国维所说的大家之作“其辞脱口而出”，白石老人作画的所谓“一挥”，都是学化于才、熟而能巧的结果。齐白石早年临摹金农的画作，惟妙惟肖;为了画好昆虫、鱼虾，他长时间地观察写生。老人的画，那几片叶茎，看似粗犷随意，却搭配得那么精巧，你要移动一点点都不行。这些，充分说明“大家之能得心应手，正先由于得手应心”。傅山说“宁真率、毋安排”，不是说不要谋篇布局、意在笔先，其意应是“极有布置而了无布置痕迹”，徐青藤的这句话透露了天机，正像韩退之诗中所描绘的那样：“草色遥看近却无”。
此外，一件作品的成功往往不在作者的有意处，而在其无意处。戴熙说：“有意于画，笔墨每去寻画。无意于画，画自来寻笔墨。有意盖不如无意之妙耳。”陈曼生也说：“凡诗文书画，不必十分到家，乃见天趣。”有时，有意着力的地方，偏偏导致了天趣的流失，在战术上，虽属锦上添花;在战略上，已是画蛇添足。
即便是优点，过分地强调或表现得不是地方，也会变质变味。恽南田论画“习气者，即用力之过”，强调“宁恒见不足，毋使有余”，正是这个道理。相反，局部的瑕疵，有时并不妨碍作品整体的成功，恰如黄庭坚所言：“殊不知西施捧心而颦，虽其病处，乃自成妍”。
中国书画注重功夫，熬出来的功夫。宜乎日积月累，水滴石穿;最忌浅尝辄止，一曝十寒。学生抱怨老师：您老是要我夯实基础，别人的墙已经砌得老高了!他不懂老师对他的殷切期望和良苦用心!
岁月的力量不容忽视，《书谱》所谓“通会之际，人书俱老”，哲理深刻。以为别人几十年走完的路，自己几年、几个月就能走完，是幼稚。艺术学习、艺术创作和艺术发展自有其规律，这些规律又是无情的。违背规律的催长、“打造”和走捷径，只会得到与初衷相反的结果。
从较长的时间看，书画家们对艺术的追求，好比接力赛，更像是“马拉松”。起跑时人头攒动密密麻麻，能跑完全程者却已不多，能打破纪录者更是寥寥。那些开始不久就在领跑的选手，往往难以“领”到最后，甚至难以跑到终点。有人说“赢在不该赢的地方，比输在不该输的地方，输得更彻底”，不无道理。
一种艺术风格、一种个人面目的成立，既要得到人们的认可，更要经得起时间的检验。陆游在《学书》一诗中说得好：“即今讥评何足道，后五百年言自公。”要想真正在艺术上取得成就的人，必须具备这样的眼光和气度，不计较一时一事，而能够“咬定青山不放松”，坚持不懈、自甘寂寞。
纵观绘画艺术的发展，从古埃及壁画开始，绘画创作的一步步演变，可以看出，绘画创作一开始的目的是为了真实的描述社会现象，作为比文字更早出现的东西，它们负责记录，随着时间的发展，绘画开始有了新的目的，透视的发现与完善，让绘画创作更加接近于准确的表现出客观存在的东西，也就是写实。我们可以看到，文艺复兴时期的绘画作品，对于自然风光、人像的描述精准且美妙。然而随着时代的发展，科技不断进步，摄影技术越来越完善，写实已经无法满足画家了!写实主义重点在于真实的描绘客观事物，而人们欣赏时往往死抠细节而忽略画作背后画家的思想与情感，于是他们像更能表达自己思想的领域进军!
于是印象派、抽象派等等更加大胆抽象的风格如雨后春笋般出现了。它们用色大胆，打破常规，往往让人一眼看上去满头雾水不知所云;然而又是那么的和谐美丽，画作中隐藏着一个个扣人心弦的故事。
长期以来绘画创作的本质一直是画家研究和探讨的主要问题，画家总是会在创作题材、形式上煞费苦心。怎么才能创造出优秀的绘画作品是画家一生都在研究的问题。画家的个人品质和生活情趣影响着画家的绘画表达形式和语言。
在艺术的世界里，画家的气质往往决定了画家绘画作品的艺术语言;画家的情感与智慧决定了作品的好坏，可以说气质与情感智慧是绘画作品创作的基础。
每一个画家都有自己独特的绘画风格，每一幅画都表达了画家不同的内心情感。可以说画家的每一幅画都是不可复制的，是独一无二的。在绘画艺术实践中，有什么样的气质，就会有什么样的绘画语言。可以说气质决定了画家的绘画语言。首先，独特的气质来源于独有的个性和独有的成长环境。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利〃福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧;同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受，直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。凡高他对大自然有着火一般的热情，具有一种如火山般狂热爆发的个人气概。这种热烈疯狂的气质来源于他笃实虔诚的性格和不入俗流的个性情操，也就形成了他独有的艺术气质。凡高成长于一个牧师家庭，成年后他也成为一名牧师，在为矿区的工人祈求上帝给予他们食物时却饿起了自己的肚子，把这种情绪用一种什么东西表达出来呢?于是他就拿起画笔，来描述矿工，反映他们的生活，以唤起人们去拯救自己，这样就产生了矿区素描。这是他的一张作品，我们可以看到他的线条是那样粗重，实在拙笨，但恰到好处，。阿尔的明丽日光、太阳的儿子向日葵金灿如火的花盘使凡高发疯，纯纯的土黄、中黄、柠黄直接上到画面上，纯色勾出的线条是狂热激情的喷发，至今我们还被那瓶金黄灿烂的向日葵激动着!凡高的个性语言就是在他独有个性气质与自己情感撞击的生活环境中形成的。其次，独特的气质直接对应独有的情感世界，个性的情感丰富强化了作者的气质，更完善了个性的艺术语言。八大山人是我国著名的花鸟画家，他是前明帝室之胄，对明王朝怀有无限眷恋，对满清王朝有着骨子里的反感，因此，形成了他避世孤傲、蔑视清庭的个性气质。他画的水鸟或仙鹤眼睛都向上翻着，甚至他的怪石也如同人一样露出蔑视之态，这独特的个性语言符号让人过目不忘。当人们看到八大的画，不必看署名，便一目了然。由此可见，在绘画艺术创作中，对于一个画家，有什么样的个性气质就会有什么样的个性绘画语言。
一幅优秀的绘画作品，应该能与参观者产生心灵上的共鸣。所以，“真情实感”是艺术作品感染人的关键所在。这里的真情实感是指不忸怩作态，而是自然生发的作者的创作冲动。毕加索在血淋淋的国内战争时期，挥汗创作的鸿篇巨制《格尔尼卡》，虽然运用了立体分析的手法，但那对战争控诉，那如西班牙凶残牛头对生灵蹂躏、践踏，人民在哀号的表现，让每个欣赏者都被拉回到那个时空中，把他对和平的热爱对内乱者的控诉之情凝固于画布之上，至今都会让人为之感动。
中国当代著名画家吴冠中先生的江南水乡作品，把我们从作者情感物化的画布上带到了秀逸迷人的江南水乡，那鲜明的白墙黑瓦和水中的红鱼、小舟让人自然联想到“江南好，风景旧曾谙”的优美自然风光，这源于作者对家乡的热爱之情。这种“低头思故乡”之情结与“举头望明月”之思绪，在他举头握画笔之时的强烈思乡、恋乡、爱乡之情感宣泄于画布上，所创作出别具一格的作品使多少人为其作品放大瞳孔!真情感于人，真情出于人，人所共知，人所共有，这才是绘画作品真正打动人类灵魂之所在。画家正是结合自我的情感取向，开动自己的智慧头脑创造自己的艺术语言的。林风眠创造了中西合壁的独一无二的绘画新风格，新语言，是中国当代著名的绘画大师，他对中国画中特有的墨线非常感兴趣，同时又痴迷于西洋油画凡高的如流淌式的狂热色彩表现，巧妙地将二者结合起来。艺术创作的本质所在，就是画家把自己的真情感与独有的智慧相融合，也即把自己的情感与智慧凝固于画面上，去感染人，让人在赏心悦目中进一步欣赏画家智慧的哲思与创造。
每一个画家拥有不同的生活体验，不同的情感世界，所以，在他们的作品中我们可以感受到不同的绘画语言及绘画形式，可以说绘画作品是画家个人品质情感与智慧的综合体现。一个画家要想创作出优秀的作品，应该不仅仅在绘画技能上锻炼自己，还要培养个人的艺术修养，要热爱生活，用心去体会这个五彩斑斓的世界。
一般人看绘画作品，能够欣赏的是写实的作品，而对看上去色彩运用像儿童画那般纯的画和将事物分解重组的抽象画难以理解和欣赏。这之中蕴含的画家的情感需要有一定的人生阅历才能够感受。从我这个年龄来说，生活的苦难只流于纸面，我明白它在字典中的含义，却无法切身感受到，所以对待绘画作品的欣赏!
四年快接近尾声了，心想着自己这四年来的绘画作品，感觉在校基本就是为了完成作业去绘画的，作品中几乎完全没有自己的感想，同时那一大堆都属于写生作业说实话交作业也就是为了得到老师的好评所以每次考试作业很认真的画给给老师点评。
不过这次系里的毕业创作可是费了很大的精力和时间去认真着手的。在毕业创作还未进行时我那时就考虑绘画一幅油画油画风景，不过一般我觉得像我们这么大的男生都喜欢绘画一些美女，不过为了打破世俗我在找素材上花费了很多时间。首先找了一幅满足大众化的漂浮荷叶，我将这素材给了相应的指导老师让他们给于指导，老师看了说这种素材很适合但是可能会花的很平淡。时间过的很快应为外出自己耽误了创作时间学校即将要交毕业作品，这加快了我寻找素材的速度，猛的某天我在网上看到了一张新意的图片《莲花组图》，这张图片看上去最吸引我的就是那荷叶。看到了这些荷叶荷花我的绘画兴趣来了，创作的激情也随之到来。随后又找了大量关于荷叶荷花的图片。
找到这些图片立即打印到手，买好了相应的绘画材料工具，把所有准备工作做到了位。首先我看了这原始图片作了相应的构思，心想绘画时不能按部就班要画出自己的思想，画面面一定要有个吸引别人的转地方。在绘画过程中我省略了很多东西把一些次要的统统都去掉。构图完成后，型打好后就是上颜色和刻画。我沉思了好久后决定画面以绿色为主，整幅画面以蓝绿色调为主，这样突出淳朴的风俗。在刻画细节方面我思考的最多在荷叶刻画上我根据场景需求将枯黄的荷叶莲蓬荷花刻画成主体，其次我都是统统粗略的带过。在描绘枯黄的荷叶时我心里很矛盾，心想究竟是画水墨画样子还是写实类型?经过一番斟酌，最终决定采取水墨感觉，这样更能充实画面内容。接着就是荷花，这些荷花都是很新鲜的，当画到这里时我想到的就是将鲜嫩的荷花跟莲蓬枯黄的荷叶做对比，这样加强了画面的对比效果。不过在绘画那么多的荷花的时候我只将几朵做了深入刻画其中以单独在外面的那些刻画最深入。
绘画过了很长一段时间看着画面就觉得有点不足，感觉画面对比度不够，吸引度不强。通过几天的停手思考终于想到了一些方法，一个想法就是将画面分组成两幅组图各有特色却相互关联而且有过度效果。一幅画面以成熟的荷叶莲蓬将凋落的枯黄荷叶为主，而另一幅则以含苞待放的鲜嫩荷花初生的荷叶尖为主。由左到右逐步变化。让两幅组图更具对比与吸引力。
荷花在我国已有三千年的历史。传说农历六月二十四是荷花的生日，所以古称荷花为“六月花神”。荷花，不骄不躁，宛如一个饱读诗书的女子，处事坦然自若，遇事信心倍足，在她面前，再名贵的花儿也得甘拜下风。她清爽脱俗，不妖不艳，象一个高贵的小妇，静静地为丈夫守候在家门。
我喜欢荷花，因为它美，不论是海棠般的红荷花，小姑娘般的粉荷花，还是那雪一样的白荷花，都那么美。它到哪儿，就会给哪儿增添一丝幽雅。
莲与文化关系最深的是中国。自古以来，中国人便喜爱这种植物，认为它是洁身自好、不同流合污的高尚品德的象征，因此诗人有“莲生淤泥中，不与泥同调”之赞。周敦颐还在《爱莲说》中把莲和各种类型的人物联系起来，“菊，花之隐逸者也;牡丹，花之富贵者也;莲，花之君子者也。”从古至今，许多人都有这种想法。在中国文学里，与莲有关的诗词歌赋，不计其数，莲也有许多不同的名字，最常见的有荷、芙蕖、菡萏等。
中国画以荷花作为夏天的标志，在中国的瓷器、地毯和戏服上也常绘有荷花。荷花盛开是丰收的预兆，也是夏天有代表性的美丽景色。北京故宫附近的北海公园本来是御花园，园中有人工湖，湖面大部分为莲叶所覆，莲叶有时候高出水面将近2米，开着千万朵清雅芳香的花。莲叶下可以行驶小船。
中国有许多与莲有关的话语，莲子代表连生贵子，藕为佳偶。并蒂莲代表一对恋人，藕断丝连是指男女虽然分手，但情意未绝。
据说在公元五世纪，南齐东昏候“凿金为莲花以帖地，令潘妃行其上，”曰：“此步步生莲花也!”因而后人称美人之步为莲步，又称女子之纤足为金莲。
没有别的植物可以像莲那样把亚洲各种不同的文化和谐而完美地融在一起。
荷花是中国绘画艺术不朽的主题，古来就有“清除出芙蓉天然去雕饰”的雅句来形容荷花的清新之美。中国画家更是以不同的笔法诠释和演绎了千变万化、多姿多彩的荷花艺术，将荷花的恬静温雅之美发挥到了极致。尽管一些新锐的艺术家，在创作国画作品时，艺术效果还不够稳定，但是他们也为中国的绘画艺术增添了新鲜的血液。
西方也有不表现荷花的经典油画作品，寄予了人们对荷花的美好希望和理想，其中最值得提到的是印象画派。克劳特—莫奈(1840—1926)法国印象派画家在这些一流的印象派画家中，我愿举出克劳德·莫奈，他吸吮了我们这个时代的乳汁，在对周围事物的礼赞中，他成长起来，并将日臻成熟。
这是作家左拉为画家莫奈写的诗。莫奈1840年生于巴黎，是一名杂货商的长子。少年开始习画，临摩名师的作品，他经常在殉道者啤酒馆中高谈阔论，他在这里的所见所闻及学会的绘画技巧，远胜于任何课堂的教诲。因家人不满他的愤世独行，而断绝了对他的一切财力支持，只得靠朋友们的帮助，后他又不顾家人反对，与卡蜜儿结婚，生活一直窘迫。在印象派第一次画展中，因莫奈有一幅《日出印象》的油画，被评论家不无讽刺意味地杜撰出“印象派”这个名词。卡蜜儿因病去世后，莫奈又与欧雪德遗孀结婚。随后经济条件有所好转，画界声誉也有提高，但他对此时毫不吝惜的赞誉全然无动于衷，全身心投入绘画之中。尽管晚年的视力不断衰退。莫奈晚年在吉维尼的家中，修建了一个池塘花园，种上了睡莲，成为他油画创作的泉源，创作了一批《睡莲》组画，画面上池中的倒影与水中的光芒相映成为一片合谐的色彩，虚实之间充满了自然的生趣，绿色的合谐。
水面正氤氲在浓雾中，而睡莲开放在朦胧中，不确定的弧形轮廓线显示莲花晃荡的动态，不同的笔触在多维视幻觉间保持了一种生动的张力。生命从四面八方涌来，遮挡天空，繁茂得近乎粗俗，转瞬即逝的光影与生机盎然的花叶都一同溶化在一种无序状态之中。莫奈的花园与《睡莲》，是他将对东方艺术的体验转换到花园与绘画上，是出自对东方情境的想象。睡莲池畔的植物，系为了可以透过水面的反射，产生倒影，以营造幻境的气氛。此情此景，马拉美曾写有这样的诗句：“它深浓的白，包含这一个空无不可及的梦，包含着一种永不存在的快乐，我们所能作的只有继续屏息，向那幻影致敬。在意外的脚步声来临前，在我走避的时候、这朵完美的花在升起的水泡中清晰可见……”。莫奈的《睡莲》系列呈现出超越物体的表象，直探物体本质，这是对东方思想空无的诠释。
长期以来绘画创作的本质一直是画家研究和探讨的主要问题，画家总是会在创作题材、形式上煞费苦心。怎么才能创造出优秀的绘画作品是画家一生都在研究的问题。画家的个人品质和生活情趣影响着画家的绘画表达形式和语言。
智慧是绘画作品创作的基础。
每一个画家都有自己独特的绘画风格，每一幅画都表达了画家不同的内心情感。可以说画家的每一幅画都是不可复制的，是独一无二的。在绘画艺术实践中，有什么样的气质，就会有什么样的绘画语言。可以说气质决定了画家的绘画语言。首先，独特的气质来源于独有的个性和独有的成长环境。凡高他对大自然有着火一般的热情，具有一种如火山般狂热爆发的个人气概。这种热烈疯狂的气质来源于他笃实虔诚的性格和不入俗流的个性情操，也就形成了他独有的艺术气质。凡高成长于一个牧师家庭，成年后他也成为一名牧师，在为矿区的工人祈求上帝给予他们食物时却饿起了自己的肚子，把这种情绪用一种什么东西表达出来呢?于是他就拿起画笔，来描述矿工，反映他们的生活，以唤起人们去拯救自己，这样就产生了矿区素描。
这是他的一张作品，我们可以看到他的线条是那样粗重，实在拙笨，但恰到好处,。阿尔的明丽日光、太阳的儿子向日葵金灿如火的花盘使凡高发疯，纯纯的土黄、中黄、柠黄直接上到画面上，纯色勾出的线条是狂热激情的喷发，至今我们还被那瓶金黄灿烂的向日葵激动着!凡高的个性语言就是在他独有个性气质与自己情感撞击的生活环境中形成的。其次，独特的气质直接对应独有的情感世界，个性的情感丰富强化了作者的气质，更完善了个性的艺术语言。八大山人是我国著名的花鸟画家，他是前明帝室之胄，对明王朝怀有无限眷恋，对满清王朝有着骨子里的反感，因此，形成了他避世孤傲、蔑视清庭的个性气质。他画的水鸟或仙鹤眼睛都向上翻着，甚至他的怪石也如同人一样露出蔑视之态，这独特的个性语言符号让人过目不忘。当人们看到八大的画，不必看署名，便一目了然。由此可见，在绘画艺术创作中，对于一个画家，有什么样的个性气质就会有什么样的个性绘画语言。
“江南好，风景旧曾谙”的优美自然风光，这源于作者对家乡的热爱之情。这种“低头思故乡”之情结与“举头望明月”之思绪，在他举头握画笔之时的强烈思乡、恋乡、爱乡之情感宣泄于画布上，所创作出别具一格的作品使多少人为其作品放大瞳孔!真情感于人，真情出于人，人所共知，人所共有，这才是绘画作品真正打动人类灵魂之所在。画家正是结合自我的情感取向，开动自己的智慧头脑创造自己的艺术语言的。林风眠创造了中西合壁的独一无二的绘画新风格，新语言，是中国当代著名的绘画大师，他对中国画中特有的墨线非常感兴趣，同时又痴迷于西洋油画凡高的如流淌式的狂热色彩表现，巧妙地将二者结合起来。艺术创作的本质所在，就是画家把自己的真情感与独有的智慧相融合，也即把自己的情感与智慧凝固于画面上，去感染人，让人在赏心悦目中进一步欣赏画家智慧的哲思与创造。
每一个画家拥有不同的生活体验，不同的情感世界，所以，
在他们的作品中我们可以感受到不同的绘画语言及绘画形式，可以说绘画作品是画家个人品质情感与智慧的综合体现。一个画家要想创作出优秀的作品，应该不仅仅在绘画技能上锻炼自己，还要培养个人的艺术修养，要热爱生活，用心去体会这个五彩斑斓的世界。
;静物创作心得体会篇三
静物创作是美术创作中的一种重要形式，通过表现静物，艺术家可以展示自己的绘画技巧和审美观念。在我长期的静物创作实践中，我逐渐领悟到了一些心得和体会。在这篇文章中，我将分享我对静物创作的认识和感悟，希望能够为更多的美术爱好者提供一些启示。
首先，静物创作需要对细节的关注。在创作静物时，我们需要仔细观察静物的形状、质感和光影变化，对每一个细节都要有准确的把握。只有通过对细节的精确描绘，我们才能够更好地表达出静物的特点和氛围。在绘画过程中，我常常会花费大量的时间去观察和揣摩静物，尽量去捕捉它们的独特之处。渐渐地，我发现通过观察和揣摩，我能够更好地理解静物的内涵和情感，从而在画面中表达出来。
其次，静物创作也需要运用光影的变化来营造氛围。光影是静物创作中至关重要的因素，它不仅能够赋予静物以明暗的变化，还能够表达出不同的情绪和氛围。在创作过程中，我会细心观察光线的照射和反射，通过精确的表现光影变化，使画面更加立体，更加丰富。通过不同的光影处理，我能够赋予静物不同的氛围，让观者在欣赏作品时感受到不同的情感体验。
此外，静物创作也需要善于进行构图。构图是静物创作中的基本功，好的构图能够使画面更富有张力和美感。在构图上，我常常会运用对称、交叉、重复等原则来创造画面的平衡和动感。我会选择合适的视角和画面比例，使画面更加吸引人。同时，我也会注意保持画面的简洁和纯净，尽量去除干扰因素，使观者的视线聚焦在主题上。
在静物创作中，色彩的运用也是不可忽视的。色彩是表现静物特性和氛围的重要手段。在静物创作中，我会运用明暗对比和颜色的冷暖变化来表达静物的质感和形态。我会选择适合的色彩组合，使画面更具表现力和艺术感。同时，我也会注重色彩的层次感，通过淡重对比来增强画面的立体感和逼真感。
最后，静物创作需要不断的实践和积累。只有通过不断的练习和尝试，我们才能够提高自己的绘画技巧和表达能力。在我多年的静物创作中，我遇到过很多困难和挑战，但通过不断地坚持和努力，我逐渐取得了一定的进步。静物创作是一个长期的过程，只有不断地积累和沉淀，我们才能够突破自己的局限，创作出更加出色的作品。
总而言之，静物创作是一项需要细心观察、运用光影、善于构图、熟练运用色彩以及不断实践的艺术形式。通过对静物创作的长期实践和思考，我逐渐领悟到了一些心得和体会。我希望通过分享我的认识和感悟，能够对更多的美术爱好者提供一些借鉴和启示，让我们一起在静物创作的路上不断进步，创作出更加精彩的作品。
静物创作心得体会篇四
在范稳老师的《小说创作》这堂课上，用写作就像在大地上找矿一样来为我们阐述小说创作之道。回想自己最初的创作之路，使得自己更加感同身受。我的祖父解放前为了讨生活从建水老家到个旧走厂，我家几代人的喜怒哀乐“围着矿、绕着山”，四世同堂便是我写作的最初的源泉，让我从回忆与发现中找到创作的途径。但随着时间的推移，观察的重心偏离。让自己写作遇到瓶颈，除了写作技艺和知识局限之外，更主要的还是腰弯得不够，没有俯下身子细微去发现生活中的“富矿”。
文艺创作者可以算作一柄笔杆子，但是锋芒之后无米下锅是青年文艺创作者的“硬伤”，要如何才能保证创作的激情与质量源源不绝，善于钻研是解决之道。
怎样钻研？范稳老师在课堂与我们分享到，小说创作中其中一项便是发现探索式，美国著名作家欧内斯特·米勒尔·海明威便是这个类型的代表。他在欧洲见证了西班牙内战，创作了《丧钟为谁而鸣》，在非洲探险，创作了《乞力马扎罗的雪》，在古巴创作了20世纪最出名的小说《老人与海》。在他看尽世间百态，其实正是不断扩大了学习的范围与空间。立足自身，我们应当不断提高自身素质与修养，破万卷书，提笔之时才会文思如泉涌。在学习之余更需练就一双“慧眼”，去发现生活之美，发现群众中更加有特色的东西。
其次还需多思考，勤动脑。创作首先思考、定主题、列提纲、多修改，再定稿。就如绘画一般，画一个人首先要明确他的性别，性别确定以后就要画出他的骨架，整个主题就初步成形，但是要赋予它鲜活的生命力，需给予他血肉和灵魂，不然就只是一副空架子，血肉和灵魂有了后，又要想让他漂亮一点于是就需要化个妆、穿上漂亮的衣服妆扮一下，这样就更有内涵更漂亮。写文章亦是如此，需要用心的加以修饰和妆扮。
再者要多写，勤动笔。“纸上得来终觉浅，得知此事要躬行”，无论是学富五车还是口若悬河之才，对于写作都没有捷径，必须苦练写作之功，才会有成就之日。于我最初创作之时而言，写出来的东西没有营养，我便在思考的基础上不断修正，一段时间之后成效便十分显著。俗话说“事不经不懂、脑不用不灵、笔不练则疏”，只有多练多写，才会越写越顺，越写越有感觉。
最后还要多思多悟，感受文字的魅力。语言是人与人之间沟通的桥梁，文字却是人对人情感的表达，内心的一种诉说，情感的一种表述，古代有多少诗人用文字来表达感情的寄托，表达内心的喜怒哀乐。屈原决然投江，写下"长叹息以掩涕兮，哀民生之多艰"，屈原爱国的激情牵动着通古至今多少闻名中外的华夏子女的心。鲁迅弃医从文的决绝，是因为爱国节操的驱使，一支笔划开万丈天幕，使长夜无明的旧中国透射出点点星光，他用文字唤醒中国的民族意识；他以笔代刀，令魔鬼无处躲藏；他以正义的声音穿越百年时空依然振奋人心。但文字的魅力绝不止于此，从古至今，文字传承了中国文化的博大精深，昭显出中国深厚的文化底蕴，文字又作为时代文化演变的一种媒介，更是不容置疑的一种凭据。
总结是一门学问，同时也是文艺创作者要进步最坚实的基础。秦国蜀郡太守李冰潜心钻研水文，设计建造了“独奇千古”的都江堰水利工程，总结出“深淘滩，低作堰”的治水六字诀、“遇湾截角，逢正抽心”的八字真言，泽被后世。楚霸王项羽自矜其功，直到四面楚歌时仍执迷不悟，发出“天亡我，非用兵之罪也”的喟叹；而汉高祖刘邦清醒自知，将“所以取天下”的原因归结为“三者皆人杰，吾能用之”。
在吴然的课上，吴然老师与我们分享了他从一名普通电工成长为一名儿童文学作家的艰辛历程，在他成长的过程当中，勤于总结便是吴然老师成才的秘籍心法之一。自我总结，要敢于直面自己的缺点与不足。心理学中认为，当人意识到自己身上存在问题之时，会本能地选择逃避或推卸，以拒绝痛苦情感的折磨。一个人在舒适区待久了，就如同“温水煮青蛙”，长此以往，只会踟蹰不前、能力退化。勇敢面对难题、善于剖析自我、学会总结得失，才能增长心智、提升认知，更好地适应当下和未来。
本次培训圆满落幕，于我自己学习的脚步将永不停止。我作为一名业余文学爱好者，想要取得开启文学之门的钥匙还任重道远。我将潜心聚力，用崭新的姿态在这条道路上走的更远。
静物创作心得体会篇五
作为一个热爱绘画的艺术爱好者，我深深地被静物创作所吸引。在这些年的实践过程中，我逐渐探索出了一些静物创作的心得体会，这些经验使我在绘画过程中更加得心应手。在下面的文章中，我将分享这些心得，希望对其他有兴趣的人有所帮助。
在进行静物创作之前，首先要做的是观察。观察是创作的基础，只有准确地观察和理解静物的形状、光影和纹理，才能将其准确地呈现在纸上。因此，在进行创作之前，我会花一些时间认真观察静物，用心感受它的特点和细节。我会观察光线的照射方向和强度，以及光线造成的阴影和高光。我还会仔细观察静物的纹理、色彩和形状，这些都是创作中重要的元素。通过观察，我可以更好地理解静物，为下一步的创作做好准备。
观察完成后，接下来就是构图。构图是确定画面布局和理清静物之间关系的过程。在构图时，我会根据静物的特点进行选择。有时，我会选择一个简单的静物来构图，以突出其形状和纹理。有时，我选择几个静物组合在一起，以突出它们之间的相互作用和对比。在构图时，我会调整静物的位置和角度，以及画面的边界和背景的元素，以求达到视觉上的均衡和美感。构图是整个创作过程中很关键的一步，它决定了最终作品的效果。
构图确定好后，接下来就是绘画和细节处理。在绘画过程中，我会尽可能准确地描绘静物的形状、线条和纹理。我会使用不同的画笔和绘画技巧，以模拟出静物的特征和质感。同时，我也会注意光影的处理，以便准确地再现静物的立体感。除了描绘静物本身外，我还会注意画面其他部分的处理。例如，背景的处理对于突出主题很重要。我可能选择一个简单的背景来凸显静物，或者使用复杂的背景来增加整个画面的丰富度。在绘画过程中，我会反复进行细节的修饰和润色，以求达到更好的效果。
在做好绘画和细节处理后，最后一步就是评估和调整。完成创作后，我会重新审视作品，并思考它是否符合我的初衷和预期效果。我可能会发现一些需要调整或修正的地方，这时我会毫不犹豫地进行修改。有时候，进行微调或者增加一些细节，就可以让整个画面更加生动和吸引人。对于这一步骤，我一直坚持着，因为只有不断挑战自己并改进作品，才能在静物创作中不断进步。
通过多年的实践，我渐渐领悟到静物创作的奥秘。观察、构图、绘画和细节处理，以及评估和调整，这些步骤相互联系，共同构筑出一幅精致的静物作品。同时，我也明白了创作中不断学习和努力的重要性。通过观察和实践，我们可以不断提高自己的审美和艺术技巧，在静物创作中找到属于自己的风格和独特性。无论是对艺术有兴趣的人，还是想要进行静物创作的初学者，我希望我的心得体会可以为他们提供一些启发和指导。让我们一起走进静物创作的世界，享受它带来的美妙和创造力吧！