写心得体会是一种建立自我的过程，通过总结我们的体会，我们不断完善自己。阅读一些优秀的心得体会范文，能够帮助我们提高写作水平和思考能力。
油画鉴赏心得体会
油画是一门历史悠久、充满艺术魅力的艺术形式。在鉴赏油画的过程中，我深深感受到了色彩、构图、细节等元素所带来的魅力。这让我从不同的角度去观察和理解油画作品，领略到了艺术家们的无限创造力和才华。下面我将结合几幅我最喜爱的油画作品，谈谈我的鉴赏心得体会。
第一段：色彩的魅力。
一幅优秀的油画在色彩的运用上往往十分讲究。比如，我曾见过一幅名为《星空》的油画。整幅画以蓝色为主调，给人以清新、宁静的感觉。而在深蓝色的天空中，星星熠熠生辉，仿佛让人置身星海之中。这种用色的巧妙运用，让人们感受到艺术家对星空的独特理解和表达方式，同时也让我深深体会到了色彩对一幅作品的纽带作用。
第二段：构图的艺术。
除了色彩，油画作品中的构图也是十分重要的。在一幅我看过的古典油画《开放的大门》中，艺术家采用了两种颜色的强烈对比，展现出一幅富有张力和冲击力的画面。门的开启象征希望与进步，而大门的画面中的水波纹与风景映衬成了一幅美丽而高贵的油画作品。这样的构图方式唤起了我的思考，让我明白艺术家善于捕捉瞬间，用画笔将美丽定格在画布上。
第三段：细节的表现力。
油画作品中的细节可以让观者更深入的欣赏和感受。我记得一幅题为《扬帆起航》的油画，在画中的船只上，艺术家画出了精细的细节，如水波纹、船桨的划痕等。这些细节的添加让画面更加真实，让人仿佛置身其中。通过这样的细节表现，我深深地认识到油画所展现的不仅仅是表面的景象，还包含了对细节的关注和表达。
第四段：情感的传递。
油画作为一种艺术形式，具有非凡的情感表达能力。比如，《自由的翅膀》是我非常欣赏的一幅油画，画面中一只雄鹰展翅高飞，仿佛要冲破束缚、追寻自由。这幅作品在我面前唤起了强烈的情感共鸣，让我缅怀起自己追求梦想和自由的心情。艺术家通过这样的作品，将自己的情感与观者进行了深度的交流与共鸣。
第五段：个人体验与感悟。
在这些油画鉴赏的过程中，我除了受到色彩、构图、细节和情感的震撼之外，同时也激发了自己对艺术的热忱和向往。我开始尝试用油画表达自己的情感和思考，虽然我并没有达到那些大师们的水平，但是我深深体验到了艺术的乐趣和快乐。
总结：
油画作为一种艺术形式，无论在色彩、构图、细节还是情感上都具有无限的魅力。通过鉴赏油画，我深深感悟到了艺术家们的无限创造力和表现力，也学到了如何更好地欣赏和理解油画作品。油画让我能够从不同的角度思考和欣赏艺术，也激发了我对艺术的爱好和创作的热情。
艺术鉴赏的心得体会
第一段：引言（150字）。
艺术是人类精神的结晶，艺术鉴赏则是欣赏艺术作品的过程。自从我接触艺术以来，我对艺术鉴赏产生了浓厚的兴趣，并从中获得了许多心得体会。艺术鉴赏让我学会欣赏美丽、感受情感、拓展视野与提升审美品味。在接下来的文章中，我将分享一些自己的心得和感悟。
第二段：欣赏美丽（250字）。
艺术作品的美是一种无法用言语表达的感受。在艺术鉴赏中，我学会了欣赏美丽。通过观赏绘画作品中细腻的线条、柔和的色彩，我逐渐熟悉了美的构成要素。在音乐中，我倾听着悦耳动人的旋律，感受其中蕴含的情感与力量。在舞蹈中，我看到舞者们挥洒自如的舞步，感受到了身体的美感与灵动。艺术作品中的美丽引发了我对生活、自然和人类创造力的更深层次思考。
第三段：感受情感（250字）。
艺术作品是艺术家情感的呈现与传达。艺术鉴赏中，我学会了感受情感。当我观赏一幅描绘大自然的画作时，我仿佛置身其中，感受到了绘画家对大自然的热爱。当我欣赏一首激情四溢的音乐时，音符中蕴含的悲喜交加的情感触动了我的内心世界。艺术作品中的情感让我更加敏锐地感受到自己的情感，也开阔了我对他人情感的理解和共鸣。
第四段：拓展视野（250字）。
艺术作品跨越了时间和空间的限制，展示了不同文化和历史的脉络。艺术鉴赏中，我学会了拓展视野。在博物馆里，我领略到了古代文明的辉煌，了解到了人类历史的变迁。在国际艺术展览中，我见证了不同国家和地区艺术家们的创作风貌和审美观。通过艺术作品的欣赏，我逐渐拥有了一双看世界的眼睛，能够更加客观地认识和理解不同文化，注重多样性与包容。
第五段：提升审美品味（300字）。
艺术鉴赏是培养审美品味的过程。当我在艺术作品中领略到美的独特之处时，我对艺术作品的评价和选择过程也越来越理性与准确。我开始学会尊重艺术家的创作意图，同时也能从作品中体会到其独特之处。慢慢地，我开始发展出自己独特的审美风格和品味，能够判断不同艺术作品的价值和魅力。审美品味的提升进一步丰富了我的生活，使我在日常生活中也更加重视美的存在。
总结（100字）。
艺术鉴赏的心得体会包括欣赏美丽、感受情感、拓展视野和提升审美品味。通过对艺术作品的观赏和思考，我深刻体会到艺术的独特魅力和力量。艺术鉴赏让我更加积极地面对生活，感受到美的存在和力量。同时，艺术鉴赏也是一种精神的享受和修养，让我在快节奏的生活中保持一份宁静和想象力。通过不断的学习和实践，我相信艺术鉴赏将成为我人生中不可或缺的一部分。
艺术的鉴赏心得体会
艺术是人类对美的追求和表现的方式之一，它通过绘画、音乐、雕塑等形式，使人们产生情感的共鸣和思考。鉴赏艺术需要细心观察和深入思考，通过与艺术作品的互动，可以拓宽我们的视野、丰富我们的情感世界。下面我将从几个方面分享我在艺术鉴赏过程中的心得和体会。
首先，鉴赏艺术需要用心观察。一幅优秀的绘画作品或一首动人的音乐作品往往蕴含着丰富的细节和意义，而这些细节常常需要我们用心去体会和发现。例如，在欣赏一幅油画时，我会仔细观察每一处线条的细腻，每一幅人物的表情和动作，每一处色彩的配合和对比。这样的观察不仅帮助我更加全面地理解作者要传达的意思，同时也让我更加注重细节，善于发现身边的美和细微之处。
其次，在鉴赏艺术时，我们需要通过自己的思考去理解作品背后的意境和主题。艺术作品不仅仅是形式上的美，更多的是内涵上的表达。比如，一首优美的音乐作品往往能够引起我们的共鸣，唤起我们内心深处的情感，通过对旋律和歌词的理解，我们能够领悟到作曲家或歌手想要表达的情感和思想。在这个过程中，我们需要发挥自己的想象力和思考能力，并尝试用自己的话语去描述和解读作品，与艺术家进行一种心灵上的对话。
此外，鉴赏艺术也需要我们拓宽视野和培养审美能力。艺术作品的形式和风格多种多样，而我们的审美能力往往需要通过不断的学习和观察来培养。例如，在学习绘画时，我了解到了西方油画、国画等不同的绘画风格和技法，这些了解不仅让我对不同的绘画作品有了更深入的理解和欣赏，同时也让我有了更多的质疑和思考。将不同形式的艺术作品与自己的生活经验进行联系，能够让我们拓宽视野，丰富思维。
除了以上几点，鉴赏艺术还需要我们保持独立的思考和判断能力。艺术作品的价值无法用经济价值来衡量，而是需要我们根据自己的感受和理解来判断。鉴赏艺术并不是盲目地追随潮流，而是需要我们从自己的内心出发，去寻找和发现真正触动我们的作品。我曾经看过一部电影，讲述了一个平凡人的故事，虽然影片没有大量的特效和华丽的场景，却令我深受触动。这让我明白，艺术的价值在于它为我们带来的思考和启发，而不仅仅是外在表象的美。
总之，鉴赏艺术需要我们用心观察、深入思考、拓宽视野和保持独立思考能力。通过与艺术作品的互动，我们可以进一步认识自己，丰富内心的世界。艺术是一面镜子，它能够让我们感受到美的力量和潜能。无论是观赏一幅绘画作品，还是聆听一曲音乐，都能够让我们与艺术家进行一种心灵的对话，感受到深深的人性之美。
艺术的鉴赏心得体会
艺术是人类文明的瑰宝，是精神与情感的表达方式。而对艺术的鉴赏则是我们对艺术作品进行欣赏与感悟的过程。多年以来，我一直对艺术充满浓厚的兴趣，通过不断地鉴赏各种形式的艺术作品，我收获了许多心得体会。在这篇文章中，我将探讨艺术鉴赏的过程，分享自己的感受，并讨论如何提升自己的鉴赏能力。
首先，我认为艺术鉴赏是一个细致入微的过程。艺术作品细腻的构图、瑰丽的色彩和深入人心的内容，都需要我们通过仔细观察和思考才能完全领会。例如，在欣赏一幅油画时，我们不仅要注意绘画中融合的色彩和线条，还要理解画家想要表达的主题和情感。只有通过不断地观察和思考，我们才能真正欣赏到艺术作品所蕴含的深意。
其次，我发现艺术鉴赏是一个沉浸式的过程。当我们站在一座雄伟的古建筑前，或者坐在音乐厅里欣赏交响乐时，我们的心灵会被艺术所吸引，我们的思维会被艺术所引导。在那一刻，我们可以暂时抛开烦恼和忧虑，完全投入到艺术的世界中。这种沉浸式的体验可以带给我们深刻的感受和启发，让我们在瞬间与艺术产生共鸣。
然而，艺术鉴赏也需要我们具备一定的知识和背景。了解艺术的历史、流派和背后的文化背景，能够帮助我们更好地理解和欣赏艺术作品。例如，在鉴赏古典音乐时，了解作曲家的生平和创作环境，掌握相应的音乐理论，将能够提升我们对音乐作品的理解和欣赏程度。因此，我们需要通过学习和积累来拓宽自己的艺术知识，以更好地鉴赏艺术。
此外，艺术鉴赏也要求我们独立思考和形成自己的观点。每个人对艺术作品的感受和理解都是个体化的，没有绝对的对与错。在鉴赏艺术时，我们需要保持开放的心态，尊重不同的观点，并积极参与艺术对话。只有通过和他人的交流和互动，我们才能进一步拓展自己的艺术视野，提升自己的鉴赏能力。
最后，艺术鉴赏是一个持续不断的过程。艺术作品是多维度的，不同的季节、心境和经历都可能对我们的艺术鉴赏产生影响。因此，我们应该时刻保持对艺术的关注和热情，不断地探索和尝试新的艺术形式。通过参观艺术展览、观看舞台剧、尝试自己的创作等方式，我们可以不断地深化自己的艺术鉴赏体验，获得更多的启示和享受。
总结起来，艺术鉴赏是一个细致入微、沉浸式、知识和背景丰富、独立思考和持续发展的过程。通过这些年的鉴赏经历和感悟，我逐渐明白了对艺术作品的欣赏不仅仅是凝视，更是一种与艺术作品对话的方式。通过细致入微的观察和思考，我们可以深入理解艺术作品所带来的情感和内涵。而持续不断的探索和学习，将使我们的艺术鉴赏能力不断提升，让我们可以更好地与艺术互动，收获真正的心灵愉悦。
油画艺术心得体会
作为一门具有深厚艺术性的绘画形式，油画艺术一直备受人们的推崇和欣赏。在我的绘画生涯中，我也曾涉猎过不少油画作品，创作出一些自己的作品，在不断地学习与实践中感悟到许多油画艺术方面的心得和体会。下面，我将分享一下我的一些心得体会。
一、细节是决定油画高低的关键。
在油画创作过程中，任何小细节都可以成为关键因素。因为油画艺术要求画作要有具备传递艺术信息的能力和表现丰富情感的能力。所以在油画创作中，创作者需要十分注重细节部分，比如色调搭配、用色上的创新、画面形式、线条的使用、人物的表情、服装的纹理等等等等。细节不管多小，都是决定绘画成败的关键因素，只要每个小细节都做得非常到位，那么整幅画作的艺术性就会明显提高。
二、熟能生巧，创新技巧也很重要。
画画是一件需要技巧和天赋相结合的事情。在油画学习和创作过程中，我们不仅需要对常规的技巧进行多次练习，不断熟悉掌握，还需要从技巧创新上下手。比如，花式的画笔使用、采用不同的表现手法、同时发挥色彩、线条、形式、意象等多方面的技能，进而创造出新的艺术形式和方法。在巩固已有技术的同时，不断尝试创新性的技术和形式，这是我们在油画创作中需要学会的一项能力。
三、深入了解人物、风景的形态和内涵。
艺术取材来源于生活，创作者在取材和表现中需要有自己深入认识的对象。油画艺术作品中常出现的主题包括人物和风景，学会用艺术的形式来表达生活的人物和风景，是油画学习的重中之重。因为这些主题所具备的情感内涵，都需要我们通过不断深入了解和体验，才能在创作中得以真正体现。
四、学会欣赏别人的油画作品。
油画艺术是由人们共同创作、共同分享的。通过欣赏别人的油画作品，我们可以了解不同创作者的思想、经验和表达技巧，从而拓展我们的视野和思维。我们可以从中学习别人的经验，为自己的创作与提升所需的思维火花。因此，学会欣赏别人的油画作品，是一个能够帮助我们更好地创作油画艺术的重要能力。
五、勤加练习，不断进步。
练习是提高绘画水平的关键。在学习和创作油画的过程中，只有不断练习，才有可能达到理想的效果。毫不例外，每个画家都是从失败中学习而成功的。需要坚持不懈地进行创作、修正和完善，我们才能越来越成熟。因此，我们的绘画才能不断提高。
以上，是我在油画艺术学习和实践中的一些心得总结。油画艺术需要我们在创作中不断探索，需要我们在学习中不断积累，需要我们在实践中不断提高。希望在今后的油画学习和油画创作过程中能够不断学习，勇于创新，然后体现出最佳的艺术水平。
油画艺术心得体会
油画是一种艺术发展到现今时代仍有很高价值的艺术形式，油画艺术丰富多彩，技法层次也非常复杂与精细。通过长时间的油画创作和学习，我深刻地领略了油画的卓越之处，学到了很多关于油画艺术的心得与体会，这其中有绘画基本技法的掌握，也有油画艺术精神的理解，下面我就来分享给大家。
第二段：油画技法的灵活应用。
关于油画技法，需要掌握的基本技法有颜色应用和画布构画，在我的实践中，我注意到这些工具的应用需要有更加灵活的理解和应用，例如，在同一个调色板上拆分每一个调色盘，这样上色真正能体现出一片风景最完美之处，这在日常尤其局限于少量的画布或者颜料时，更要注意，当然，技法灵活使用不仅仅突出了画面美感，还提高了作品的标准。
油画艺术需要得到精神上的认知和塑造，画家的个人风格和艺术创作灵感也需不断探索和培养，艺术精神需要有特点的视角，个性、意志和理解，这些因素又是决定画家的创作方式和个人的艺术朝向，最终决定了画家的作品品质和表达力。
不同的油画作品的表现形式有着显著的不同，通过多样的表现手法发挥油画创作有着非常高的创造性和灵感，例如笔触、色彩、光影、空间的灵活应用和配合，非常讲究尺度和角度，更注重色彩搭配，化学对立原理的运用，使得画作更加立体真实，更高的表现力在同样的主题中体现得特别多，夹层感与纹理感的同时提升了画面的美感。
第五段：终极目标和总结。
油画艺术是一种独特的文化遗产，非常重视画家个性和油画艺术的内涵。同时，通过不断的实践和探索，更好地表现生活和彰显每个个体对美和自由的追求，这是每个油画家的最终目标。
总之，经过这段时间的学习和实践，我更加深刻明了油画艺术的独特性和高贵性。油画艺术的深度和广度，非常需要画家们的精心和用心呈现，而油画学习与实践，则需要始终不断地进修和学习，在不断的实践中不断改善动手能力和丰富识别能力，为自己的油画创作之路的前进奠定基础。
油画艺术鉴赏
赵本山，是当今中国家喻户晓的，在老百姓心目中最受欢迎的喜剧小品及影视表演艺术家。他不仅是一名演员，更是一个当代文化产业的知名企业家和模范带头人。他现在领导着一个文化传媒集团，除了民间艺术团，还有本山影视公司，辽宁大学本山艺术学院，还有他的遍布各地的“刘老根”大舞台演艺剧场，已经形成了一个稳固的文化产业链。他导演的贴近普通百姓生活的电视剧“刘老根”、“马大帅”、“乡村爱情”等电影电视作品受到了全国人民的欢迎和喜爱，他的艺术魅力得到了充分的显现，为中国的文化事业做出了重大贡献。
在中国历年的春节联欢晚会上，赵本山的小品已经形成了一个符号特征，成为全国人民除夕之夜期待的一个亮点。在历年央视“春节晚会节目评选”中，赵本山在观众的掌声中几乎每次都捧走一等奖的奖杯。本文结合赵本山的作品，对其艺术创作的时代背景和时代意义进行了粗浅的分析和探讨。
一、赵本山的艺术创作。
一部作品，除了内容上源于生活外，能否对生活进程的历史特点具有正确的认识，能否把握这种特点对当代人们的生活和心理产生影响，通过人物的命运深刻表现出来，是衡量一部作品价值大小的重要尺度。赵本山的作品虽然人物寥寥，却寓意深远，使人从微观处看到了生活变化的影响。
赵本山早年的作品《红高粱模特队》，反映的是随着农民物质文化水平的提高，农民对精神生活的追求。改革开放以来，广大农民的物质文化水平有了大幅度提高，农民们要求改善精神生活，丰富自己，成立了自己的模特队，宣传劳动的光荣。再如《拜年》反映了贯彻落实党的第二轮农村承包政策，党员干部支持、带领农民群众承包鱼塘，走致富奔小康的道路，这些都真实反映了时代改革大潮中农村的面貌，生动可感。赵本山一生所演的小品还有很多，经典小品有《昨天、今天、明天》、《小崔说事》、《火炬手》、《卖拐》、《卖车》、《不差钱》等等。
赵本山拍摄过的电影每一部都能让人记忆犹新，《男妇女主任》中那个主持农村妇女工作的农村干部，《幸福时光》中的那个帮助盲女的好心人，而《落叶归根》，是赵本山生命中的第三部电影，已经不单纯是赵本山拍摄的一部贺岁电影，更确切地说，它预示着赵本山艺术生命的又一个辉煌的崛起，也是赵本山在艺术道路20年过后的回归。
二、赵本山艺术创作的时代背景。
赵本山的创作，从小品到电视剧一路走来，一直遵循着“农民”路线，从未有所偏离。较之于30年前的农村题材影视作品，当下的农村题材电视剧创作已从过去的关注农民脱贫致富、解决温饱问题，转向既关注农民的物质生活，又关注农民的精神追求、情感追求。
在这种潮流下，《乡村爱情1》和《乡村爱情2》两部作品问世，它们成功的价值在于以爱情为切人点，在精神层面上关照当代农民的情感处境，这一创作扎根于当下的农村生活，对当代农民的情感世界进行了较为生动的描摹和丰富多彩的呈现。如同“一颗露珠可以折射太阳的光辉”，《乡村爱情》系列正是以对人物情感世界敏锐微妙的开掘和对乡村生活质感的生动细腻的展现，具象地折射出30年来中国农村社会改革开放的步伐和所取得的巨大成就。“三农”题材电视剧创作越贴近民生、越贴近9亿农民的现实生活境况，它所描绘出的社会生活画卷的视角就越广阔、内涵就越深刻，它也就越能够表现出最广大的人民群众对生活的切身感受和情感、精神上的向往与追求，从而也就越能够被广大观众所喜闻乐见。《乡村爱情》系列的成功很好地说明了这个问题，“乡村”和“爱情”，覆盖了中国普通百姓生活内容的几乎最大的范畴，因此，《乡村爱情2》的观众构成远远超越了单一的农民群体，而扩大到整个社会的各个阶层。该剧以电视艺术特有的方式凝聚了全社会对农业、对农村、对农民的关注目光，使不同生活环境的人们通过电视剧的艺术欣赏活动加强了彼此之间的了解和沟通。
在民族文化建设的高度上，以艺术作品作为载体，完成对国民意识形态的构筑和引领，是电视艺术工作者的时代使命，每一位艺术创作者都要具备这种文化的自觉意识。
三、赵本山艺术创作的时代意义。
一个优秀的作品绝不能脱离现实生活，更不能脱离时代的思想，否则作品就失去了深度，毫无意义可言，也就不能存在长久。突破平庸，深入生活，理解生活，这是赵本山作品的特色。
赵本山作品对现实生活中某些“点”或“面”的现象有讽刺警示意义。如《策划》中，假如对下蛋公鸡的宣传策划做成的话，那该是何种局面……赵本山的小品对于有不实广告宣传的商家来说，是一副醒脑剂，比如《策划》；对于赶时髦“追广告族”的消费者来说是一剂清凉药，如《钟点工》；对于社会中的一些腐败现象来说，是一种讽刺，如《牛大叔提干》；对于百姓中贪图小利的人来说也是一种讽刺和警告，如“三卖（卖车、卖拐、卖轮椅），告诫人们要时刻保持清醒的头脑，”用理智的思维来对待现实生活中的炒作及行骗现象。细细品味赵本山小品中的每一句话，每一个情景，会让人忍俊不禁，在捧腹大笑之余，体味到其中的精妙绝伦，感悟到生活的真谛，这也许是赵本山小品的艺术真谛。
同时，他的作品在一定程度上弘扬了民族文化，向我们展现了东北的风土人情。赵本山的表演风格是一种深层的东北地域艺术文化，产生于特定的时空、特定的民族，反映特点的现实生活，但是又不仅仅属于该地域的。由于地域艺术与本国文化有着千丝万缕的血缘联系，因此他必然体现全民族大文化的传统特征与精华。我们在提倡和弘扬“民族的”或“地域艺术”的同时，更要深刻了解和研究这种文化衍生发展的特殊历程，使这种文化艺术能直接为今天广大人民群众服务，充分满足当今人们的审美需求，丰富人们的精神生活。在他的作品中，有反映农民致富奔小康，承包鱼塘，开发粮食项目，普及科学种田的；也有反映农村丰收，人民安居乐业，开展精神文明建设的；有讴歌好领导、好干部的，也有揭露农村生活中的不正之风的。加以他本人就出身农民，对农村生活和农村命运的情况烂熟于心，这才使得他演起来农民不但形似，而且神似，更容易成功。可见，任何作家的艺术创作，都要受到生活经历、生活范围的制约，他纵有天马行空的本领，也无法超越这个制约。只有忠于自己生活，真实地认识了生活、认识了生活的丰富多彩，才能创作出内容真实丰富的艺术作品，才能使观众在欣赏时找到认同感，从而被打动，由此产生共鸣。
此外，赵本山本人就出身于农民，这使他很自然地捕捉到了我们时代潮流的主角之一农民的形象，用农民命运的变化来折射出民族命运的变化，这也是其作品的时代意义所在。例如《拜年》，这部作品除反映农村干部引导农民致富奔小康外，也向我们淋漓尽致地展示了农民在小农意识影响下狭隘的是非判断观。村看村、户看户、农民群众看干部。在农民心中，领导干部是他们的父母官，干部一举一动直接牵动着普通农民百姓的命运。而在干部面前极尽讨好，虚伪地将人与人之间的平等观隐藏起来，这在农村甚至城市中确实存在。赵本山就是通过进一步触及民族心理的一角，来窥视整个民族内心的愿望。
文艺的主要职能就在于探索人生、影响人心，从而揭示时代中人们精神领域经历的深刻变化。文艺家应把眼光投注到现实生活中去，探索人物在时代感召下精神世界发生的变化，才能使作品有较为深刻的内涵。用赵本山自己的话说，“是生活教懂了我”。生活经历不仅教会了他做人的准则，也让他认识到一个重要的艺术真谛：艺术源于生活，艺术家要回归生活。到生活中去发现真善美，生活中的经历使他认清了自己，认清了自己属于什么样的生活。
赵本山的艺术创作是人类文明传承过程中很重要的一部分，他真实而又生动地演绎着最朴实的人类文明，是服务于老百姓的大众文化，也是我们灿烂的民族文化的一支奇葩。
油画艺术导论心得体会
油画艺术作为一种重要的绘画形式，广泛应用于表现艺术家对于生活、自然和社会的观察与思考。在学习油画艺术导论课程的过程中，我深刻体会到了油画的独特魅力与无限可能性。本文将从油画艺术的历史溯源、技巧掌握、表达方式以及艺术观念等方面，探讨我在导论课程中的体会与心得。
第二段：历史溯源。
了解油画艺术的历史溯源对于深入理解其发展与进程至关重要。通过导论课程的学习，我了解到油画艺术起源于古埃及，经历了文艺复兴时期的飞速发展，并逐渐发展成为一种重要的绘画形式。油画以其鲜明饱满的色彩和精细的细节描绘，使得艺术家得以传达对于世界和个人情感的独特表达方式。历史的回顾不仅让我意识到油画的重要性，也增加了我对于油画作品的欣赏和解读能力。
第三段：技巧掌握。
油画艺术的技巧掌握是创作出优秀作品的基础。在导论课程中，老师耐心地将一些常见的油画技巧传授给我们，例如色彩的运用、画面的构图以及画笔的运动等。通过反复练习和实践，我逐渐掌握了一些基本的油画技巧，并且理解到技术只是手段，而不是终极目标。技巧的掌握为我表达自己的创作提供了更多选择和可能性，同时也激发了我不断挑战自我的勇气和毅力。
第四段：表达方式。
油画艺术作为一种表达方式，具有广泛的应用领域。通过导论课程的学习，我认识到油画可以用来展现艺术家对于生活、情感和主题的思考和观察。无论是表现写实主义的作品还是抽象表达的实验作品，油画都能够通过色彩、线条和形状等元素，将艺术家脑海中的想法和情感准确地传达给观众。在课程中，我有幸观察到了许多著名艺术家的作品，这些作品不仅给我带来了观赏的享受，也激发了我对于表达方式的思考和探索。
油画艺术导论课程还让我从更高层次上认识到艺术的本质与意义。艺术不仅仅是一种技巧的运用和表达方式，更是艺术家对于现实世界的观察和反思的呈现。艺术家通过油画创作表达自己的想法和情感，同时也引导观众去思考和感受。艺术的价值在于它能够超越语言和文化的限制，触动人们内心深处的共鸣和共识。在导论课程中，我学会了更加敏锐地观察和感受油画作品，并且懂得如何去欣赏艺术家的创作理念和思想深度。
总结：
综上所述，通过油画艺术导论课程的学习，我不仅了解到了油画艺术的历史溯源、技巧掌握、表达方式以及艺术观念，还培养了自己的艺术鉴赏能力。油画艺术的独特魅力和无限可能性让我对于艺术的追求和创作充满了激情和动力。我相信，通过不断学习和实践，我能够在油画艺术的大道上不断前行，为世界带来更多美的享受和思考。
油画棒艺术心得体会
油画棒是一种画笔和颜料融为一体的艺术工具，使用它能够在画布上创造出各种丰富多彩的画面。经过一段时间的学习和尝试，我对油画棒的应用有了一些心得和体会，以下是我对油画棒艺术的探索和感悟。
一、了解油画棒的特性非常重要。
油画棒是一种非常特殊的绘画工具，它的画笔和颜料都在一个棒子里。因此，与传统的油画和水彩画不同，它具有一定程度的弹性和自由度。使用油画棒时，一定要学会合理运用它的特性，控制好笔触和色彩的变化。我发现，仅仅是知道如何握住油画棒是不够的，需要了解不同的棒和颜色的工具属性，按照它的生产者的技巧来将它们保养好，减少耗损，并保证绘画时的光泽和厚度.
油画棒是一种非常独特的材料。因为棒棒里有颜料，所以与传统油画、水彩画不同，它的颜色和光泽很特殊。如果你没有好好掌握油画棒的调色技巧，画面可能会显得太单调或者鲜艳浓重，无法达到艺术和自然的平衡。在我探索油画棒越来越深入的过程中，我学会了如何调整、混合、阴影和加粗线条的技巧，使画作的外形更符合时代的要求。
三、油画棒的表现力是非常丰富的。
油画棒的表现力非常丰富，它可以创造出多种风格和效果，像运用干笔、湿笔、擦、涂、刻画、橡皮擦、刷子，只要熟练掌握，你将可以轻松制作出立体感和变形的形状，精准的掌控了图案线条的精准度和平滑程度。我发现，油画棒的特性使它成为一种非常好的探索“独特性”的材料。假如你使用得当，你就可以将画作与许多其他艺术品区分开来，达到一种新颖的审美效果。
四、一幅优秀的油画作品并非一蹴而就。
与其他艺术创作一样，创作优秀的油画作品需要时间和练习。在初学阶段可能会因为不熟悉工具、色彩搭配不当、技巧不足等原因而无法创作理想的作品，这时候需要耐心学习和修正。我觉得，必须要自己学以致用，大量实践练习。每个作品进步一点，如果出现了错误，要及时改正，这样才能不断提升油画作品的完成度。
五、油画棒的魅力在于它的使用和尝试。
油画棒是一种非常神奇的材料，使用它进行艺术创作带来的乐趣非常大。不同于其他画种，油画棒可以使创作者随心所欲地加入自己的创意、感觉与口味，并真正地感受到自身创作的魅力所在，追求创作的满足和快感。与此同时，使用油画棒也是一种持续尝试的过程，能够通过尝试、实验和学习来理解艺术创作的本质和价值，从而创作出更加出色的作品。
总结。
油画棒是一种独特的艺术材料，通过它的运用能够制作出多样化的画作，拥有非常丰富的表现力。通过在实践中学习，我们可以掌握油画棒的技巧，将之运用到我们的艺术创作中，以此达到更加出色的效果。虽然需要大量的时间和精力去实践，但是如果你愿意去尝试，那么油画棒一定会带给你非常多的快乐和满足。
艺术鉴赏
艺术是人类创造力和想象力的结晶，通过艺术作品，人们可以感受到美的存在和世界的多样性。艺术鉴赏是一种对艺术作品进行审美、理解和感悟的活动，通过这个过程，我们可以欣赏到艺术家的智慧和情感表达。在我进行艺术鉴赏的过程中，我深深地体会到了艺术对人们生活的积极影响，并从中获得了不少心得体会。
首先，艺术鉴赏能够提升审美能力和审美情趣。在欣赏一幅画作、一部音乐或者一台舞蹈时，我们会通过艺术家的构图、音符或舞姿感受到一种美的存在。这样的感受不仅仅是对于艺术品本身的喜爱，更是对于艺术家创作方法和技巧的喜爱。通过不断地欣赏和学习，我们的审美能力和情趣会得到进一步提升，我们能够更好地欣赏和理解艺术品所传达的信息和情感。
其次，艺术鉴赏能够开拓视野和丰富知识。艺术作品往往蕴含着丰富的历史、文化和社会信息，通过观看和研究这些作品，我们可以了解到不同地区、不同时期的人们生活和思想的变化。例如，欣赏古代绘画，我们可以了解到当时的社会风俗和审美观念；欣赏现代音乐，我们可以感受到艺术家对于当代社会的思考和反思。通过这些艺术作品，我们的视野得到了开拓，我们能够更好地了解到世界的多样性和复杂性。
第三，艺术鉴赏能够培养情感和审美情操。艺术作品往往能够唤起人们内心深处的情感共鸣，例如，在欣赏一幅表达爱情的画作时，我们可能会感受到那种深深的爱的渴望和思念。通过艺术作品，我们能够更好地了解自己的情感、理解和调节情绪，提升自己的情感表达能力。同时，艺术作品中所表现的美和和谐也能够影响人们的审美情操，使其更加崇尚美、追求美，并能够更好地理解和欣赏美。
第四，艺术鉴赏能够激发人们的创造力和想象力。艺术作品往往充满了创新和想象的元素，通过欣赏和学习这些作品，我们可以激发自己的创造力和想象力。例如，在欣赏一幅具有独特构图和色彩运用的画作时，我们可能会受到启发，产生自己独特的创作思路；在欣赏一部引人入胜的电影时，我们可能会被电影中的剧情和影像所吸引，想象出自己的故事情节和场景构想。通过艺术鉴赏，我们可以有效地开发和提升自己的创造力和想象力，使其在日常生活和工作中得到更好的发挥。
最后，艺术鉴赏能够带给人们内心的宁静和放松。在繁忙的生活中，人们往往感受到巨大的压力和紧张感，这时候，欣赏艺术作品可以给人们带来一种独特的宁静和放松。通过欣赏一首柔和的音乐，观看一幅宁静的风景画，我们可以暂时抛开烦恼和困扰，沉浸在艺术的世界中，感受到一份内心的平静和宁静。
总之，艺术鉴赏是一种能够提升美感、丰富知识、培养情感和审美情操的活动。通过艺术鉴赏，我们能够欣赏到艺术品中蕴含的美和智慧，开拓自己的视野和丰富知识，培养情感和审美情操，激发自己的创造力和想象力，获得内心的宁静和放松。因此，我深信艺术鉴赏对于我们的生活具有重要的意义和价值，并希望通过自己的努力，能够不断进行艺术鉴赏，从中收获更多的心得和体会。
油画艺术导论心得体会
第一段：引入与背景介绍（约200字）。
油画艺术是一门博大精深的艺术形式，在世界各地都有着悠久的历史。作为一位对艺术充满热爱的学生，在大学时选择了油画艺术导论这门课程，希望能更深入地了解和体验油画的魅力。这门课程为我们提供了一个学习油画基本理论和技巧的平台，通过课堂学习和实践练习，我对油画艺术有了更深入的认识和理解。在这篇文章中，我将分享我在学习油画艺术导论课程中的心得体会。
第二段：课程内容与收获（约300字）。
油画艺术导论课程涵盖了许多方面的知识，包括油画的历史、材料与工具、色彩理论、构图与透视等等。通过学习油画的历史，我了解到油画在不同时期的发展与演变过程，更加明白了油画作为一门艺术形式的重要性和独特之处。而对油画材料与工具的学习，让我对油画的制作过程有了更深入的了解，掌握了一些基本的技巧和方法，例如调色、调墨、画刷的使用等。同时，色彩理论和构图与透视的学习，让我在创作过程中更加注重画面的整体效果和艺术表现力。
第三段：课堂实践与艺术创作（约300字）。
在这门课程中，我们还有许多课堂实践和艺术创作的机会，通过参观画廊和艺术展览，我们能够观赏到各种风格和题材的油画作品，激发了我们的创作灵感。同时，我们也有机会在课堂上进行实际的油画创作，这对我来说是一次宝贵的经验。通过实际动手操作，我更好地理解了课本上的理论知识，提高了我的绘画技巧和艺术表现能力。在实践中，我也尝试着运用不同的材料和技法，探索出独特的个人创作方式。
第四段：油画艺术的启发与情感表达（约200字）。
通过学习油画艺术导论，我在审美方面得到了一些启发。花时间观赏和研究不同风格和题材的油画作品，让我对艺术的欣赏能力得到了提升，也拓展了我的审美视野。同时，油画作为一种表达情感的艺术形式，也让我更加明白了艺术的力量和魅力。通过笔触和色彩的运用，艺术家能够将自己内心深处的情感和思想通过画作传达给观众，这种力量使我深深着迷。
第五段：对艺术的追求与未来展望（约200字）。
通过学习油画艺术导论课程，我对艺术有了更深刻的理解和感受。我意识到艺术是一个永无止境的追求过程，需要不断学习、实践和提高。未来，我希望能够进一步深入学习油画技巧和理论，不断探索和发展自己的艺术风格和语言。同时，我也希望将所学所得与人分享，通过自己的绘画作品传递美的力量，以及激发更多人对艺术的兴趣和热爱。
总结：（约100字）。
通过油画艺术导论的学习，我深入了解了油画的历史、材料与工具、色彩理论、构图与透视等方面的知识。通过课堂实践和艺术创作，我提高了绘画技巧和艺术表现能力。油画艺术的启发和情感表达让我看到了艺术的力量和魅力。未来，我将继续不断追求艺术的进步和创新，以及与他人分享自己创作的美的力量。
艺术家鉴赏的心得体会
第一段：引言（200字）。
艺术家鉴赏的心得体会是一种独特而深刻的体验。当艺术家们沉浸在作品中时，不仅欣赏到了其中的美感，还从中汲取灵感和启示。作为一名艺术家，我也深深体会到了鉴赏艺术作品的乐趣和价值。在这篇文章中，我将分享我对艺术家鉴赏的心得感悟，并探讨一些我认为对于艺术家鉴赏而言特别重要的因素。
第二段：理解与感悟（200字）。
对于艺术家而言，理解艺术作品的内涵是非常重要的。当我们面对一幅画作、一首音乐或一部电影时，我们应该努力去理解艺术家想表达的思想和情感。通过深入思考和感受，我们可以更加全面地理解作品，并从中获得更深入的体验。我发现，通过与艺术作品的互动，我能够拓展自己的想象力和情感表达能力，这对于艺术创作有着重要的影响。
第三段：审美眼光的培养（200字）。
艺术家鉴赏需要有敏锐的审美眼光。欣赏一幅画作，我们不能只看到表面的美丽，还要注意到其中的细节和构图。听一首音乐，我们要捕捉其中的旋律和情感。只有通过培养自己的审美眼光，我们才能更好地欣赏和理解艺术作品。我每天都会花时间欣赏和研究不同的艺术形式，通过反复观看和聆听，我逐渐培养出了对艺术的敏感和独特的理解。
第四段：多样的艺术形式（200字）。
艺术家鉴赏的范围应该是多样化而广泛的。除了绘画和音乐，还有电影、戏剧、舞蹈等多种艺术形式都值得我们去欣赏和研究。每种艺术形式都有其独特的魅力和表现手法。通过对不同艺术形式的学习，我们可以拓宽自己的视野，丰富自己的艺术表达方式。我经常参观艺术展览，观看电影和戏剧演出，抱着积极的心态去体验和欣赏各种艺术形式。
第五段：自我表达与启示（200字）。
艺术家鉴赏最重要的目的是为了从中汲取灵感和表达自己的创作。当我们欣赏一部精彩的电影或读一本优秀的文学作品时，我们会受到启发，激发我们的创作激情。艺术家鉴赏是一个与艺术家们的对话和交流的过程，通过欣赏他人的作品，我们能够更加深入地认识自己，并找到创作的方向。我曾多次从艺术家的作品中汲取灵感，受到启发后，我创作了许多有意义的艺术作品。
结尾（100字）。
艺术家鉴赏是一场关于理解、感悟和创造的旅程。通过不断欣赏和研究艺术作品，我们能够把这些经历融入到自己的创作中，丰富了自己的艺术语言和风格。艺术家鉴赏给予了我无尽的灵感和创作动力，我希望将来能够通过自己的作品传递给更多的人。
油画鉴赏心得体会
第一段：引入油画鉴赏的重要性（150字）。
油画作为一种艺术形式，以其独特的表现力和丰富的色彩引发了广泛的兴趣和关注。在如今的艺术市场中，油画作品也成为了收藏家们追逐的热门。然而，对于一般观众来说，如何正确地鉴赏油画作品却是一项有挑战性的任务。因此，了解油画的创作技巧、艺术家的思想和油画的历史背景是培养油画鉴赏能力的重要步骤。在我多年的油画鉴赏经历中，我体会到了油画的魅力和无穷的艺术潜力。
第二段：感受绘画技巧与想象力的结合（250字）。
油画是一种充满想象力和创造力的艺术形式。艺术家们通过绘画技巧和色彩的运用，将他们的内心世界和情感表达出来。在观赏油画时，我对艺术家们如何使用笔触和色彩产生了浓厚的兴趣。不同的绘画技巧可以传达不同的情绪和意境。例如，厚涂的笔触可以赋予作品强烈的质感和动感，而轻柔的笔触则会给人以温暖和柔和的感觉。通过观察和品味，我开始懂得艺术家是如何运用技巧来达到他们想要表达的目的。
第三段：探索油画与历史和文化的关联（300字）。
油画作为一种艺术形式，与历史和文化有着密不可分的关系。通过欣赏经典的油画作品，我不仅了解到了艺术家们的创作背景和时代背景，还探索了不同文化间的交流和影响。例如，欣赏文艺复兴时期的油画作品，我被其中展现的人文关怀和人性美所深深吸引。通过研究艺术家的生活和作品，我可以更好地理解并欣赏他们的创作灵感和意图。油画作为一种反映历史和文化的艺术形式，不仅开拓了我的视野，也深化了我对艺术的理解。
第四段：对于题材和主题的思考（250字）。
油画作为一种表现形式，可以呈现各种各样的题材和主题。透过艺术家的眼睛，我们可以看到他们独特的见解和观点。在鉴赏油画作品时，我开始思考题材和主题背后的意义。一幅油画可能描绘了大自然的壮丽景色，也可能是艺术家对社会问题的思考。我开始关注艺术家们如何在作品中传达他们想要表达的观点和情感。这使我更加欣赏油画的多样性和艺术家的创作力，也加深了我对艺术作品的思考。
第五段：与他人分享油画鉴赏的乐趣（250字）。
油画鉴赏不仅是一种独特的体验，也是一种与他人分享艺术乐趣的方式。通过与朋友和家人一起分享对油画作品的观点和感受，不仅能够拓宽自己的视野，还能够增进对艺术的理解和欣赏。在与他人的讨论中，我开始发现不同的观点和见解，这进一步深化了我的对艺术作品的认识和鉴赏能力。同时，与他人分享油画鉴赏的乐趣也带给我更多的快乐和满足感，使我对油画的热爱更加坚定。
总结：通过多年的油画鉴赏经验，我深切体会到了油画的魅力和无穷的艺术潜力。油画作品不仅可以让我们欣赏艺术家的创造力和想象力，还可以通过探索历史和文化的关联，加深对艺术的理解和鉴赏能力。同时，鉴赏油画也是与他人分享艺术乐趣的方式，带给我们更多的快乐和满足感。只有不断体验和思考，我们才能更好地欣赏和鉴赏油画作品，真正感受到艺术带来的美好。
油画艺术鉴赏
舞蹈作为一种艺术形式，能够很好地表达出表演者个人的情感。
舞蹈中最为我所了解的是拉丁舞。拉丁舞中的伦巴、恰恰是初学者的必修课，从这两种舞蹈中，我们可以窥视到拉丁舞的部分内涵。
伦巴（rumba）英文rumba的音译，用r表示，也被称为爱情之舞，拉丁舞项目之一。源自十六世纪非洲的黑人歌舞的民间舞蹈，流行于拉丁美洲，后在古巴得到发展，所以又叫古巴伦巴，舞曲节奏为4/4拍。它的特点是较为浪漫，舞姿迷人，性感与热情；步伐曼妙有爱，缠绵，讲究身体姿态，舞态柔媚，步法婀娜款摆，若即若离的挑逗，是表达男女爱慕情感的一种舞蹈。伦巴是拉丁音乐和舞蹈的精髓和灵魂，引人入胜的节奏和身体表现使得伦巴成为了舞厅中最为普遍的舞蹈之一。
伦巴常常用音乐来引起人们舞动的欲望，从此出发来吸引男女表达自己的爱慕之情。伦巴的实际功用就由此体现出来。伦巴一般是在成熟的男女之间的舞蹈，挑逗意味更大，但也更加含蓄，他们的舞蹈动作让你很快的就可以看出两个人的关系。有人说，探戈是情人之间的舞蹈，那么伦巴就是夫妻之间的华章。伦巴不像探戈那样，时时处处都带有一种防备的气息，防备着别人发现他们之间的关系。伦巴是夫妻之间光明正大的互动，只是因为双方早已经成了最熟悉彼此的人，不必那么张扬，也不必遮遮掩掩。而另一种具有代表性的舞蹈——恰恰则起源于墨西哥，虽与伦巴有很多相通的地方，但它俏皮欢快，风格与伦巴截然不同，动作潇洒帅气而又充满活力。恰恰表演应该是充满热情的不能有严肃味道，并加有断音奏法，使舞者能够制造出“顽皮般”的气氛给观众。这种顽皮的意味就更体现出了恰恰和伦巴的实际功用的不同。
恰恰相比伦巴，节奏更加轻快，气氛更加活泼，更多的是年轻的舞者选择恰恰来作为表演项目。恰恰的舞蹈动作中，有许多花样繁多，难度较大的花式舞步，动作频率快，幅度大，气氛更加活泼激烈。大多是未婚的男女对此类舞蹈情有独钟，他们用激烈的、明显的、活泼的方式来互诉衷肠，表达对舞伴的爱慕之情。对伦巴和恰恰的舞蹈形式的理解越深，对它们背后的文化也就理解的越深。它们的背后体现的是拉丁美洲人民的热情和奔放。众所周知，拉丁美洲被称为移民之洲，黑人、白人、印第安人等等都安家在拉丁美洲。于是拉丁舞或多或少会体现出黑人舞蹈、西班牙舞蹈、印第安人舞蹈的特点：
1.上半身，尤其是肩部应巍然不动，体现了西班牙人的高贵，是拉丁舞中白人文化的精髓体现。
2.身体中部，包括腰部和胯部应尽情地扭动，彰显了非洲文化活泼、外向的特点。3.下半身，腿和脚的动作起源于印第安人的文化，拉丁舞中的舞步有一些是起源于此。
油画棒艺术心得体会
油画棒是一种非常特别的绘画工具，它将颜料和油脂结合，以棒状的形态供艺术家使用。我曾经在某个展览上看到了一位艺术家使用油画棒创作的作品，深深地被它所呈现的鲜艳色彩和独特的纹理所吸引。从那以后，我决定亲自尝试使用油画棒来表达我的情感和思绪。
第二段：油画棒的特点和用途。
油画棒的一个显著特点是它的便携性。由于它的形态和油脂的特性，使用油画棒不需要混合颜料，也不需要携带调色板和画刷，因此非常适合户外创作或旅行时的绘画。此外，油画棒的质地较硬，艺术家可以直接在画布上以笔触或者刮花的方式施加颜色，创造出独特的效果。同时，油画棒也可用于混合与擦除，让人们能够灵活地表达绘画的主题和情感。
第三段：使用油画棒的技巧和挑战。
使用油画棒的过程中，我发现其中蕴含着一些独特的技巧和挑战。首先，由于油画棒较硬，需要用较大力度施加在画布上才能使颜色充分释放，这要求画稿者有一定的力量和耐力。其次，油画棒的颜料会因为温度和湿度的变化而产生不同的效果，因此画稿者需要不断调整用力和颜料的量，以便掌握绘画的效果。此外，油画棒上的颜色也不能直接混合，需要利用画布上的颜料进行叠加和混合，这要求画稿者有一定的想象力和创造力。
通过使用油画棒创作，我感受到了创作的愉悦和收获。首先，油画棒的颜色饱和度高，可以创造出明亮且富有质感的作品，这让我感到非常满足。同时，油画棒的绘画过程中不需要频繁地清洗和调色，让我能够更加专注于创作的思考和表达。此外，通过使用油画棒进行油画创作，我可以尝试不同的技巧和风格，发掘和锻炼自己的绘画能力，这也是我非常乐于接受的挑战。
第五段：结语。
油画棒艺术是一种非常有趣和充满挑战的绘画方式。它的便携性和独特的绘画效果让人们可以在户外和旅行时轻松创作。虽然使用油画棒需要一些技巧和耐心，但通过不断的练习和尝试，每个人都能够掌握它，并创造出独属于自己的绘画风格和作品。对我来说，油画棒艺术给了我表达情感和思绪的新方式，令我深感满意和充实。我相信，只要用心去体验和探索，油画棒艺术定能给我们带来无限的惊喜和乐趣。
油画艺术鉴赏
机电工程学院。
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学号：0000。
向日葵的花语是信念、光辉、高傲、忠诚、爱慕，向日葵代表着勇敢地去追求自己想要的幸福。向日葵的花姿虽然没有玫瑰那么浪漫，没有百合那么纯净，没有兰花那么无邪，但它阳光、明亮，爱得坦坦荡荡，爱得不离不弃，有着属于自己的独特魅力，而且，它绽放的不仅是爱情，还有对梦想、对生活的热爱。当花朵在阳光底下慢慢伸展，当阳光刺透它薄弱的叶，那天生与阳光最搭配的花朵，高贵又不失风度，看着天空，它好像希腊神话里的阿波罗，他是高贵的太阳之子。向日葵是我最喜欢的花朵，因为我爱着它不计名利的完全绽放。爱它对阳光的无限渴望，它永远不追随别人的脚步，它只跟着光，跟着它的信念，也只有光。我无意中在画册上看到了一个画家所画的的向日葵，这幅画直击了我的心灵，震撼了我的灵魂。我认为这是无限爱生命的人才能用画出油画《向日葵》，至少也是因为喜爱向日葵啊，然而让我迷惑的是，画向日葵不正是代表爱生命的表现，为何画家在艺术面前走向自我毁灭呢？既然怀有无限热情，又为何在大好年纪放弃了艺术，选择了死亡。于是我开始关注他的生平，追问画家是何人，原来他就是梵高。我问过我的同学和老师，很多年过去了，梵高为什么让人久久不忘，让人动容。有人说是他的画，是啊，一个画家最重要的还是他的艺术作品，风吹过的麦田，迷人的星空，美丽的果园，金色的向日葵，他不曾放过一丝生活细节，他着迷了色彩，那种有强烈感觉的色彩，冲击感，那个世纪，也只有梵高做到了。正如他所说：“画面里的色彩就是生命中的热情。梵高一生命运多磨难，他屡遭挫折，艰辛备尝，在仅仅37岁的生命里，他把最重要的时期留给了艺术，而事实上他生前却从品尝过艺术带给他的荣誉，贫困潦倒，用来形容他是最好不过了，他到处流浪，也曾遇到过爱情，和一个遭遇过生活摧残的女性，梵高收留了她，女人也给了他不岑有过的温暖和幸福，可梵高太执着艺术了总是把艺术放在第一位，试问又有几个女人能接受吃不饱，穿不暖的生活呢，更何况是经常饱受困苦的女人，所以离开了梵高，为生计所迫，梵高失去了爱人，可他却未曾抛弃艺术，我想这也许就是他后来被人熟知的原因吧。就像他说的生活对我来说是一场艰难的旅行，但我又怎会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会长的更高呢？但我将奋斗，我将生活变得有价值，我将努力战胜并赢得生活。生活在低处，灵魂在高处，这就是梵高，他不是残疾人，他是油画艺术里的巨匠。文森特梵高出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。梵高年轻时在画店里当店员，这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎，和印象派画家相结交，在色彩方面受到启发和熏陶。他在学习前辈伦勃朗等人的基础上，吸收印象派在色彩方面的经验，并受到东方艺术的影响，形成了自己的艺术风格，以此，人们称他为“后印象派”。梵高早期只以灰暗色系进行创作，使用荷兰传统的褐色调，直到他在巴黎遇见了印象派与新印象派，融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风。他最著名的作品多半是他在生前最后二年创作的，期间梵高深陷于精神疾病中，其最后在他37岁那年将他导向自杀一途。梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的两年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，后期他又远离了印象派因为印象派对外部世界瞬间真实性与他理想的精神状态相去甚远，他天生就是热情如火，后来，他不用线条而是用环境衬托形象，他笔下的人物风景无一不带着这一因素，既生动又活泼。所以他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西，这就是太阳。他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。太阳代表了热情，凡高用自己的热情，来感染着每一个看到他画作的人，仿佛是救赎，又仿佛是光芒万丈，闪耀着人间独特的真实，又有不存在人间的圣洁光芒，它让你感到纯粹，干净。
人们如果真的看到了并相信了美好纯粹的信念，那么生命则将是永存的，梵高将这一信念融入到了画里，希望人们懂得它所表达的意义，这就是梵高的愿望。可是在那个年代里，物欲纵横的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱，他是理想主义者，他需要世人给他理解和尊重，病发之时陷于狂乱，病过之后则更加痛苦。他减掉了自己的耳朵，是因为无人愿意倾听他的心声他不愿成为家人朋友的负担和累赘，因为没有谁懂得它痛苦的内心，自杀身亡，或许能够减轻他的苦痛和灾难，他就这样随死神走了，享年只有37岁。梵高最有名的作品是这幅画有16朵的《向日葵》。他用他神奇的想象力，赢得了赞扬，描绘了对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生，这或许就是他与向日葵早早结下的不解之缘吧，向日葵表达了他的内心，火热强烈甚至是燃烧，在艺术上的他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他的房间。他爱这种朝着光与热开放的花，向日葵是太阳之光，是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，亦是热爱生命选择生活的表现，但为何却成了梵高苦难生命的缩影。他自己则成了向日葵的背叛者，如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。梵高身为一个画家，成就了艺术却蔑视了生命。纵然有向日葵这样的名作，却也落下了悲苦一生的结局，明明是光的追求者，却不得不在暗处流浪。他一生追逐着光明选择了光明却不得不投身黑暗，这未尝不是一种悲剧。
梵高一生中共作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在梵高美术馆展出。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，他就是那《向日葵》，他的向日葵花得都是自己的缩影。以前听过一些报道见到梵高《向日葵》原画泪流满面，那时猜想不过是几幅画作，真的可以让你感动至深吗？可当我见到这幅《14朵向日葵》时，也不由黯然叹息：不停的工作，不停的工作，真是一个工作机器，只有工作能让他忘记了俗世，忘记了生活所给予的的苦难，也只有工作让他注满了心血，注满了他对生活的无限渴望，他未曾不爱生命，造化弄人罢了。
从梵高开始画了一组向日葵油画后，向日葵就属于梵高。再也没有人像梵高一样，在向日葵上寄托着的情感厚重，细腻。《14朵向日葵》隔邻是高更的《梵高画向日葵》从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情！梵高化的向日葵好像在燃烧，在着火，浮雕般色彩如此强烈厚重，感情笔触如此饱满有力，一朵朵天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花在黄色与蓝色中脱影。梵高爱向日葵就像我们国人所说的风骨，陶渊明独爱菊，郑板桥爱竹子一样，向日葵是追光拜日的希望之花。画向日葵即画太阳，也是自画。当太阳、向日葵及梵高融成一体。梵高和向日葵共同谱出相濡以沫生命与共的蓝与黄交响乐章，那是最美的和弦之声，《向日葵》是其悲剧一生的象征物也是他一世的才华。梵高强烈地爱上了遍地生长的生机勃勃的向日葵及炙热目眩般的阳光。他不无自嘲：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加，越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。梵高啊，梵高，你知道吗，追求光与热，本来就是人类的天性，人们的奸诈与势利，把双眼蒙蔽了，一颗真诚善良的心比任何东西都高贵。你用你的双手又换回多少泯灭的良心与灵魂，你从心底灵魂呐喊的声音，刺透了天空与大地，向日葵是战士，是你不屈不挠地反抗下的产物。
梵高是天才，也是疯子。你说他陷入癫狂割下自己的耳朵，可他偶尔清醒冷静得可怕。他要求寂寞，他要求在精神病院度过，向日葵用色如此大胆强烈，恐怕是因为他清楚地知道：岁月是把杀猪刀，时间能让一切冲淡甚至过于暗淡。只有那重重的色彩，才能让向日葵保持着生机，不至于过早枯萎，哪怕枯萎，也要奋不顾身地绽放，只有绽放，才是它生存努力的理由。我们都爱梵高的光与热,因为我们正常聪明世故得不会把自己逼向绝境。可梵高不同，他有一颗过于追求完美的心，他想有人了解，梵高知道高更喜欢他的向日葵多于莫奈的向日葵而高兴万分。高更这么形容：在我的黄色房间里，带紫色圆环的向日葵突出于一片黄色背景之前，花梗浸在一只黄色壶中，壶放在一张黄色桌上。金黄色的太阳透过我房间里的黄色窗帘，生气盎然沐浴在一片金黄色中。梵高是单纯的，是理想主义者，他仅用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》，堪称梵高的化身，也可说是他的代表作。梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时，正是他的艺术成熟时期，此时他非常喜欢使用黄色。因为黄色这能表达它所表达的情感。
尽管向日葵那么美，高更因艺术理念分歧离开了梵高，梵高是个对艺术由衷喜爱的画家，他穿着棉袄，混在农民中间，在大地里，在果园里，在纺织机前，甚至是农民的饭桌前，这些都带给给他灵感，他疯狂地为之着迷，及时风吹日晒，即便大风滚滚而来，他也坚持在户外感受着大自然带来的光与热。高更无法与这样的梵高相处最终离开了。也许他认为他是疯子，可这不也正是梵高让人动容的原因吗。画了向日葵后的梵高便是金黄色的化身，把这金黄色的火焰撒遍天际田野，也涂上夜晚的星空，卷成旋涡直到麦田群鸦乱飞，才举枪结束了这场金黄色的癫狂。金黄色从此属于梵高。
生前寂寥、死后荣耀的画作一九七八年，在伦敦拍卖会上，梵高的《向日葵》以大约五十九亿日元的天价被日本人买走了，这个消息震惊了全世界。无论是有钱人的附庸风雅还是《向日葵》真的找到了会欣赏它的人。梵高作画时,怀着极狂热的冲动,追逐着猛烈的即兴而作,这幅流芳百世的《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。梵·高笔下的向日葵，像闪烁着的熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。梵高写给弟弟西奥的信中多次谈到《向日葵》的系列作品，其中说明有十二株和十四株向日葵的两种构图。他以12来表示基督十二门徒，他还将南方画室(友人之家)的成员定为12人，加上本人和弟弟西奥两人，一共14人。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵·高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过:“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。凡·高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样:“关于艺术'一词，我找不到比下述文字更好的阐释:艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。”作为一位用生命创作的画家，梵·高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。
油画艺术鉴赏
内容提要:美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动,是现实生活在画家头脑里的反映的产物。艺术美是真善美的高度统一,它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西,只是艺术借以表现自身的真正形式,而通常认为只是形式的东西,恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。关键词:艺术创作艺术美现实美现实丑内容形式美术作品的创作,是一种复杂的精神活动和生产制作活动。它包括两个相互衣存、互为表里的方面:一是对社会生活的观察、体验和审美认识;二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来,使其物化。这样,一幅油画作品在成为艺术品之前,则要经历两个大的阶段,前者是创作的构思活动阶段,后者是美术创作的传达活动阶段。这种创作活动是一种追求艺术美的过程。那么,怎样的作品才是真正的艺术作品呢?或者说什么样的作品才具有艺术价值?苏珊-朗格说:“艺术是人类情感的符号形式的创造,一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式,这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的,而它所表现的东西就是人类情感。”在希腊语中,艺术一词兼有两种涵义:一是指美的作品;二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。由此,我们又可得出一点启示,当我们称赞一部艺术品优美时,往往是蕴涵着两层意义:一是指这件作品的表现形态非常优美,二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价,前者对物、对作品。后者对人、对艺术家。一件真正的艺术作品,必须满足两个基本条件:一是它必须是人类劳动和智慧的创造物,二是它必须能给人以精神上的愉快感受,即具有审美价值。这两点,可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。有人认为,凡是优美的事物,就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的自然美与艺术美。而自然美尽管可以是艺术的对象,却绝不是真正的艺术本身。油画创作表现的是自然美,是对现实美的再创造。但艺术美不等于自然美,它高于自然美。油画作品反映的是现实美,现实中美的事物或事物的美,是油画创作的有力根据或根源。比如,这样一幅生活情景:在暮色苍茫的天空下,有一对衣着朴素,身体健康的农民夫妇,在田野斜斜相对而言地站着,都低了头,把手放在胸前,身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候,远处传来了教堂的钟声,于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色,双双心情平和地做起了晚祷。这不是法国19世纪农村典型的生活景象吗?在这幅生活景象中,我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗?是的。但是,这种现实生活中的景色和美,是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的。
现实的生活是丰富多彩的,美术正是以这种在一定历史条件下多彩的现实生活为源泉而创造的。现实中无论人、自然事物或社会事物,只要与人类的社会生活相关,都可以成为美术创作的源泉。假若没有丰富多彩的现实生活,也就不会有所谓的美术。当然,现实中有些不美或丑的事物,也可以成为美术创作的根据,反映到美术中来,经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美。实际上,人们对艺术与美有许多误解。人们总是以为艺术就是美的;凡是不美的就不是艺术,丑是对艺术的否定。事实上,艺术并不一定都是美的。即是说美术既能根据美的现实而创造现实美,也能根据丑的现实反映现实丑,并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。
为什么美的艺术可以表现丑恶?对于艺术家来说,问题并不在于表现对象的丑恶,而在于必须对丑恶作出卓越的表现。
例如,在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》(又名《老妓》)中,现实的丑神奇地转化成了艺术的美。罗丹自己解释说:“平实的人总以凡是在现实中认为丑的,就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现自然中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西。这是他们的错误。在自然中一般人所谓“丑”,在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时,他给他如此感人的眼光,使我们看了,立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存,不得不出卖他作为一个人的尊严,而变成一个玩物,一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人,内心的苦越是强烈,艺术家的作品就越显得美,米勒表现一个可怜的农夫,一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人,像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝,扶在锹柄上喘息时,只要在这受奴役者的脸上,刻画出他任凭“命运”的安排,便能使这个噩梦中的人物,变成全人类最好的象征。在作品中,现实丑的本质范畴转化了,其现实性削弱了,艺术性加强了。作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物,已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素,从而成为一个典型形象。它从反面揭示出社会生活的本质真理,是形象的真理,亦即艺术的美。对丑的深刻剖析和否定,就是对美的肯定。罗丹的《老妓》是这样,委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》,朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样。在国内外美术史上,有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作。
事实上,丑恶只是题材的丑恶,它只构成艺术作品的表现形式;而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝,它形成了艺术作品的深层结构。由此可见,美的价值具有超越性。在自然美中,它超越自然,而达到仿佛拟人化的理性结构。而在人类的艺术中,它又超越了人类,仿佛回到了本色的自然,返噗归真。在油画作品中,通常被看作内容的东西,其实只是艺术借以表现自身的真正形式。而通常认为只是形式的东西,即艺术家对美的表现能力和技巧,恰恰构成了一件艺术作品的真正内容。人们对一件作品的估价,正是根据这种内容来确定的。
拉斐尔的《圣母》像就是这样。在一个早以被表现过千百遍的旧题材中,他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容。从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命。他的这种艺术表现是如此深刻,正如黑格尔赞叹:“我们确实可以说,凡是妇女都可以有这样的情感,但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂。”
一个事物,只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理,以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性,以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性,而且这现象,这形式,这形象又必须是非常的突出,鲜明生动,那它才是美的。这就是美的规律。
凡是美术作品都离不开形象,离不开生动的视觉形式;凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象,离不开创造艺术典型;而创造了艺术典型的美术作品,都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理,同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善。而这感情和善,作为审美价值,却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想。这就是艺术的美。在这个意义上,美术作品的艺术美,是真、善、美三位一体,高度统一的,在艺术审美经验中得到了融合。在油画创作中,艺术美是必然的。因为美,是一切艺术创作必须设定的自觉目的。每个艺术家,都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解。
艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物,因而使外在的现象符合心灵,成为心灵的表现。(黑格尔)而在现代社会,有些想借艺术平步青云的人,总是在思考着画什么,什么样的画才可以出名的问题。这种画缺少对艺术的真诚,缺乏那种能打动人的真实情感。这种人实际是在究研成功之路,而非研究艺术本身。画油画重要的不在于你画什么样的内容,内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟,对生活的态度。社会在不断发展,我们的认识也在不断变化。绘画就是在记录这种变化,就像写日记一样,记录着对生活的理解,自己的感受,画自己感兴趣的,最激动人心的。其实可画的内容很多,关键在于能真实的反映生活,反映自己的真情实感。
画画,最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花,却无法把这种感动表现出来。黑格尔有名话很形象:“艺术家常遇到这种情形,他感到苦闷,但是由于把苦闷表现为形象,他的情绪的强度就缓和了,减弱了。甚至在眼泪里也藏着一种安慰。”绘画有时是一种情感的宣泄。
绘画是一种视觉艺术,是现实生活在画家头脑里的反映的产物。这种反映不是机械被动地照搬生活,而是一种高于生活的再创造。绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动,是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露，绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。吴冠中说过:艺术家是最憧憬美的一群人。艺术家的天职就是要将自己血液中携带的,对人类的命运,前途那一缕淡淡的哀愁表现出来,感染他人引发思考。
而我描绘生活在城市边缘人的印象,通过自己的视角观察体验时代的发展变化,用形象揭示人性中最善良,最质朴,最美好的一面。我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵,伴随着我的呼吸的东西。具体说不清是什么,也许是一种感动吧!但他永远吸引着我,打动着我内心深处。